Ирина Антонова: «Я хочу помочь выпрямиться людям, которые находятся на склоне жизни»

18 мая отмечается Всемирный день музеев. На фестивале «Интермузей-2016» в Москве директор ГМИИ им. Пушкина Ирина Антонова получила специальную награду «За лучшую авторскую программу по работе с посетителями». Ирина Александровна рассказывает о том, что в музее читаются лекции и проводятся семинары специально для тех «кому за 55».

Я хочу вам представить проект, которым занимаюсь два года и надеюсь заниматься им и дальше. Он называется «Искусство - диалоги в пространстве и времени». Он предназначен для людей, у которых есть одно отличие от других. Это – их возраст. Он сделан для людей «третьего возраста». Это такое деликатное название для людей пенсионного возраста. Оно существует во всем мире. Существует даже мировое сообщество людей, которое входит в понятие «третьего возраста» и причатных к деятельности музеев и других учреждений культуры. Все музеи имеют очень широкую аудиторию, в которую входят люди разные, и по возрасту и по уровню образования (или даже по отсутствию образования).

Музей принимает всех. Обращается ко всем. Но какие-то категории мы выделяем. Например, дети. Мы работаем в детьми, начиная с дошкольного возраста. Наш музей работает с детьми начиная с четырех-пяти лет, со школьниками разного возраста, со студенческой аудиторией. Ну и со взрослыми сложившимися людьми, которые знают почему они приходят в музей, что они хотят там увидеть.

Из этой категории мы, в музее, как правило не выделяем специально людей пенсионного возраста. Но я узнала, что в некоторых музеях мира такие программы существуют. Они мне показались интересными и захотелось что-то подобное предложить и нашим посетителям. Неожиданно это вызвало такой интерес, что число желающих приобрести абонементы превысило очень небольшое, к сожалению, количество мест, которым располагают аудитории музея. Поэтому перед каждым занятием или лекцией выстраивается дополнительная группа человек в пятьдесят, которые хотели бы попасть на не занятые места. А на лекции присутствует примерно 150 человек.

Помимо лекций мы предлагаем участникам проекта и некоторые другие формы. В первый год, в 2014 году, мы предложили им семинарские занятия. По некоторым темам мы предлагали им позаниматься дома и в нашей библиотеке. И неожиданно наша библиотека стала очень популярной. Очень много людей приходили. Брали книги, читали и расширяли свои знания о том предмете, который их интересовал.

На следующий год мы предложили дополнительные занятия – писать картины, делать рисунки. У нас есть замечательный преподаватель Мария Дрезнина, которая работает с людьми самого разного плана, в том числе и с больными людьми и с просто очень трудными детьми. И она стала заниматься с нашими слушателями. Среди них оказались те, кто в течение жизни рисовали и писали картины для себя, никогда не рассчитывая ни на специальное обучение, ни на выставление напоказ своих вещей. Когда мы объявили эту программу, желающие нашлись и, когда я побывала у них на занятии, я никогда не видела раньше, чтобы у них так блестели глаза! Они с таким энтузиазмом взахлеб говорили о том, что дает им эта работа и как им это интересно.

Расскажу о нескольких наших программах. Когда я подумала о том, о чем бы я хотела поговорить с этими слушателями, меньше всего мне хотелось бы выстраивать беседу в каком-то историческом контексте. В музее огромный лекторий, у нас колоссальный лекционный портфель. И мы читаем все, начиная с Древнего Востока, Египта, Средние Века, Ренессанс, современность… И  целый ряд специальных курсов – по фотографии, по графике и так далее. Но всегда берется, и это справедливо, какой то исторический период, и повествование следует в этом порядке.

Я понимала, что нашим слушателям нужно что-то иное. Вот их примерный  портрет. Среди них очень много одиноких людей. Они закончили свою трудовую деятельность. Они старше 55 лет, но им бывает и 60 лет, и 70, и еще больше. Совершенно очевидно, что они уже посещали наш музей. Впрочем, люди бывают разные. Как то я уже рассказывала об этом. Была выставка Тутанхамона. Одна женщина, увидев большую очередь в музей спросила у мена: «Скажите, здесь показывают волосатую женщину?» Я догадалась, что она говорит о мумии. И она все-таки встала в очередь. У нас, конечно, другой контингент, это довольно интеллигентная публика, которая ищет смысл жизни в том возрасте, в котором сейчас находится. Они стремятся не столько к новым знаниям, сколько к пониманию каких-то явлений культуры и искусства, которые волновали их и раньше. Поэтому я построила занятия как диалоги в пространстве и времени.

Каждый рассказ я выстраивала не в связи с каким-то временем и эпохой, не начиная его с того, например, что «вы конечно знаете, что в Голландии в 17 веке буржуазная революция…» и так далее. Нет! Я решила первый цикл наполнить темами более доступными и понятными. Очень большим успехом пользовалась лекция «Любовь земная и любовь небесная». Эта тема, любви  и красоты, присутствует почти в каждом художественной произведении.  Это то эстетическое начало, которое относится практически к любому произведению искусства. Без этой темы ни литературы, ни искусства, не существует. Хотелось об этом поговорить. Название я придумала не сама. Это название картины Тициана. Она находится в музее Боргезе в Риме. Опирается она на теоритические рассуждения, которые берут свое начало в Античности. У Платона в его сочинении «Пир» есть рассуждения об этих главных движущих силах мира. По этой теме мы и начали работать. Начав с этой картины, я показала им все, начиная от первобытной Венеры, сделанной более 30 тысяч лет до нашей эры, через Древний Египет, Античность, в том числе и такие великие и всем известные произведения как Венера Милосская.

Когда мы говорим о Венере Милосской, очень важно вспомнить нашего русского писателя Глеба Успенского. У него есть один очерк «Выпрямила». Это рассказ об учителе, скромном человеке, ведущем в глубинке довольно жалкое существование. Волей судеб он оказался в Париже в Лувре перед Венерой Милосской. И он, совершенно замотанный, замученный жизнью, вдруг испытал и принял на себя такой поток эмоциональный от этого великого произведения, что он придал ему новую силу для жизни. Поэтому этот очерк и называется «Выпрямила». Он стал другим человеком.  Мне показалось важным привести эти мысли Успенского, потому что весь мой этот цикл и вся моя работа, она на это и направлена – помочь людям, которые находятся на склоне жизни. Помочь им «прямо держать спину», выпрямиться и ставить перед собой новые задачи, в каком возрасте они бы не находились.

И так мы доходили до современности. И уже на первых лекциях я поняла, что этот мой слушатель принимает авангард, поставангард и более позднее искусство довольно сдержано. Особенно я была удивлена, что они не принимают Матисса. «Ирина Александровна, неужели это вам может нравиться!» А мне очень нравится Матисс! Это мой любимый художник! И я поняла, что не буду настаивать на этом, но я в каждом цикле, в каждой лекции показываю произведения современного искусства и стараюсь объяснить почему, что и как.

Моя задача, не в этом году, а в следующем и в 17-м сделать цикл, который будет полностью построен на искусстве ХХ века, я считаю, что этот разговор обязательно должен состояться.

Каждый раз  я очень много показываю примеров из классики самых разных веков и обязательно что-то из современного искусства.

Я очень дорожу еще одним ходом в этих наших беседах. Это – обращение к нашему отечественному искусству. В силу разных причин у нас резко музеи делятся на те, что посвящены отечественному искусству, и на те, что показывают все на свете! Глобальные такие музеи, я их называю левиафаны. Это Эрмитаж, наш музей и некоторые другие. А музеи в регионах как правило маленькие, неполные. Надо определить место нашего искусства. Почему мы сравниваем искусство Франции, Голландии и не говорим о том, что происходит в нашей стране! Я это делаю и поэтому таких мастеров как Кипренский, Александр Иванов, Репин, а так же Дейнека, Вера Мухина и Кандинский, Малевич, я показываю в определенном контексте. И даже такой мастер как Самохвалов (Самохвалов Александр Николаевич – НП) в теме «Любовь земная, любовь небесная». Это замечательная вещь стоит прекрасно рядом с античными вещами. Смотрится рядом, выдерживает. И понятно, что это про одно и тоже, просто в разное время сказанное. Но в каком то общем отношении к теме.

Какие еще были темы: «Портрет», «Образ героя», «Труд», «Природа» - пейзаж, «Война и мир». Последняя тема была прочитана как раз перед 70-летием нашей Победы и помимо рассказа о развитии этой темы в пространстве и времени в разных странах я специально старалась показать и то, что относилось к нашей истории.

Чем отличаются эти беседы от обычных рассказов о  классическом искусстве? Каждый раз я старалась обращаться эмоционально-душевному опыту моих слушателей. Это – люди в возрасте. Они видели то, двадцатилетние. Мне очень было важно показать им автопортреты Рембрандта. Разные портреты. Это рассказ о внутреннем мире людей в возрасте. Как их надо понимать. И то огромное уважение и пиетет и те качества, которые возникают в человеке немолодом. Если они ему присущи, они выходят на первый план. Мне интересно было это показывать не как иллюстрацию, а как художественный образ. Это один из приемов, которые я использовала, показывая самые разные вещи.

Мы делали и семинары. Они меня очень радовали, потому что слушатели очень готовились. В первый год в теме историческое видение «Войны и мира» мы, например, сравнивали две итальянские статуи Верроккьо и Донателло, соответственно «Кондотьер Коллеони» и «Кондотьер Гаттамелата» или, другая тема – сопоставление «Боярыни Морозовой» Сурикова и «Явление Христа народу» Александра Иванова.

Конечно, я одна не могла вести семинары для ста пятидесяти человек. Нас было трое: Ольга Морозова и Александра Степина. Они предложили тему «Образ Геракла в античном искусстве» с одной стороны, и портреты графа Давыдова нашего художника Ореста Кипренского.

Участники семинаров оказались интересными людьми и их сочинения оказались значительными. В конце мы их наградили подарками.

На следующий год мне захотелось монографически поговорить об отдельных крупных художника. Но не вообще, взяв их не по какому-то историческому принципу, а по какому-то другому. Я назвала этот цикл «Чужие среди своих». Что это значит? Это великие художники, но по разным причинам, или в свое время они не получали признания, или многие из них не имели школ, не имели последователей. Такие одиночки, которые тем не менее очень большой вклад в историю искусства внесли. Тут была возможность более прицельно говорить уже о художественном языке.

Кого я выбрала? Например, такой мастер как Боттичелли. Его фигура  начинает по-настоящему освещаться в истории искусства только в XIX веке. Это же касается Питера Брейгеля-старшего. С одной стороны, вся его семья занималась его творчеством. Мы даже сделали такую выставку, где не было ни одной его картины! Там были только повтрения его картин или фантазии на темы его картин членами его собственной семьи – сына и других родственников. Брейгель – это гигантская фигура мирового искусства, но по настоящему его вклад был оценен только во второй половине XIX века. То же относится к Яну Вермееру.  Смешно сказать, уже в XVIII веке он не упоминался ни в одном материале, касающемся искусства Голландии, пока один французский журналист не увидел его картину «Вид Дельфта»  и стал узнавать, что это за художник! Он нашел около 30 картин. В свое время они были приобретены только двумя личностями. Один был юрист, а другой занимался продажей картин. И тогда он стал писать  о нем книги, и с тех пор слава Вермеера стали расти и продолжает расти на  наших глазах. Делаются огромные выставки и так далее.

Франсиско Гойя – мастер протестного искусства. Он тоже не всегда находил понимание. Такого мастера как Оноре Домье как художника не знали вообще. Только как карикатуриста. И даже из журнала карикатур его выгнали. Значительно позже он стал известен как живописец.

И наконец, Ван Гог! Мы все любим Ван Гона, но ни одна его картина не была продана при его жизни. Но одну из них купил наш Иван Морозов, российский коллекционер. Слава к Ван Гогу пришла после его смерти.

Это все художники, которые по разным причинам не получили признания в свое время. Возможно они опережали свое время,  и мне было интересно об этом поговорить.

Я хочу обратить внимание на деятельность Марии Дрезниной, арт-терапевта. Она приняла участие в подготовке этих курсов и провела несколько занятий. И все потребовали, чтобы она их продолжала, и она будет их продолжать. Это была работа с цветом. Например, тема рисунка «Волшебный цветок». Работа с яркими и светлыми цветами, составление красок на палитре. Она учила работать с темными цветами, со светом и формой, как сделать цветовую композицию в круге и в квадрате. Она учит основам мастерства.

В этом году мы предложили заняться XIX веком, чтобы через год подвести слушателей к ХХ веку. По словам Александра Блока XIX век – это “век железный, век жестокий”.  И это обнаруживается у целого ряда художников.  Я бы хотела показать романтизм не как художественное течение, а как мирочувствование в XIX веке.  Потому что есть “век железный”, но есть и другой век – есть разные направления.  Я хотела бы рассказать о  Тернере, о Фридрихе, о Жерико, о Кипренском, о Врубеле, о Родене. Показать эту линию XIX века, которая имеет продолжение и в ХХ-м.

Мы хотим вести беседы и на самих выставках, которые будут работать в 2016 и 2017 годах – Пиронези, итальянского графика и архитектора, Рафаэля и на выставке ХХ века – картины послевоенного искусства (1945-1968гг). Это будет европейская выставка.

А в декабре планируется выставка, посвященная памяти Андре Мальро “Голоса культуры”. Писатель Андре Мальро был первым министром культуры Франции. В свое время он был коммунистом и побывал в России 1934 году на съезде писателей, который проводил Горький. Он здесь познакомился с деятелями русской культуры – Бабелем, Пастернаком, Мейерхольдом. Потом он стал приверженцем де Голля, воевал в Испании. И он же написал книгу “Воображаемый музей” – о концепции музея, о том, каким может быть музей. Это он предложил “принцип диалога”. И на этой выставке мы тоже будем проводить наши занятия.

Надо помогать людям приближаться к искусству в самом разном возрасте! Великое искусство снова и снова требует приближения. Потому что в нем важен не только поверхностный слой – сюжет и действующие лица, которые в первую очередь видит зритель, а необходимо и проникновение в глубь. Например, люди в возрасте снова перечитывая “Анну Каренину” и другие книги удивляются: “Как много  я не замечал!” В каком-то возрасте мы видим только “про любовь”, а не “про природу”. А потом мы замечаем, что там есть и другие сюжеты. Так и здесь. Наш цикл позволяет людям погружаться снова и снова в то, что им кажется, что они давно знали.

Корреспондент "НП" записала выступление Ирины Антоновой на тематической секции "Потенциал музея в системе социальной защиты" на фестивале "Интермузей-2016" 

Фото "НП"

Другие победители конкурса